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内容导航：1、梵高为什么爱画向日葵？其实，画里有一个绝望男人的兄弟和爱情2、鸢尾花作者梵高1、梵高为什么爱画向日葵？其实，画里有一个绝望男人的兄弟和爱情
除了《星月夜》，梵高最知名的作品，恐怕就是那十一张向日葵了。
为什么他会创作向日葵系列？为什么《星月夜》、《向日葵》都创作于同一时期？
其实，原因既简单又复杂。
要从一段失败、甚至让梵高流了血的爱情上说起。
而这段感情，却是因为他弟弟提奥而起。
经历了这段坎坷，饱受痛苦和绝望的梵高，步入了他一生中艺术创作的最高潮。
但极致的绚烂过后，梵高的生命也如同烟火般迅速陨落。
《割耳后的自画像》 1889年
大食堂里的梵高个展
故事从1887年的那个深秋说起。
文森特·梵高在巴黎组织了一场有点特别的展览。
说特别，是因为名义上，这本来是个很多艺术家参与的联展。
但结果，却是巴黎的艺术家们起了内讧，互相瞧不起彼此闹起了罢工。
为了避免空旷的场地上留下一个个别致的笑话。
梵高不得不拿出了几乎自己全部的作品，前前后100张匆忙现身不加画框的油画，在杜沙莱饭店四周的墙壁上接连现身。
当然，他跟他弟弟提奥只是希望能碰碰运气，吸引几个评论家的笔杆子，多少卖出去几幅画，稍缓在巴黎穷困潦倒的生活。
然而这个场地，并不是个什么展览馆，甚至连个正经酒店都说不上，更接近于一个工地大食堂，里面挤满了同样饥寒交迫、吵吵闹闹、奔波生计自顾不暇的顾客们。
因此，这里曾被当时的巴黎市民讥讽为“倒像是一个火车站。”
饭都吃不饱，又有谁能买画、讨论画呢？
但梵高已经别无选择。
《十五朵向日葵》梵高
里面吃饭的可怜人们，当然想不到未来墙上这些连框都没有的画将会飙到天价。
那自然而然的，几乎没有一个人注意到了这场展览。
没有图录、没有报纸、没有消息，在巴黎最吵闹的地方，梵高的作品倒像是咚的一声，瞬间沉到了深海中。
多年后，有个顾客竭力回忆道：吃饭的人们“只关心自己的饭碗”，根本不关心餐厅里的装饰，尽管有些客人似乎“被画作令人生畏的一面搞得心神不宁”。
结局是自然而然的。
非但没卖出去一张画、更没吸引到一个字，展览成了白忙活一场。
梵高陷入了极度的绝望中。
饭店老板见势不妙，开始把自己的破盾牌、旧装饰品挂在了梵高的油画旁。
最终，他命令梵高带着他的画，滚出饭店。
《吃土豆的人》梵高 1885年
然而，即便是如此凄惨的展览，毕竟还有几位艺术家参观。
其中，就有被太阳晒得满脸通红，刚刚回国的保罗·高更。
在保罗·高更的眼中，那些向日葵，就像舞动的火花一样，牢牢的吸引了他的目光。
直到他离开梵高，远赴太平洋塔西提岛上的十几年后，在日记里依旧会写道：“我至今依然满脑子都是向日葵。”
乔·邦格
妓女、弟弟、爱情
实际上，高更看到的那三张向日葵，是梵高一个夏天苦难爱情的结果。
时光倒流到一年前。1886年8月，梵高最依赖的弟弟、同时也是他的经纪人提奥，打算前往荷兰，向一名叫做乔·邦格的24岁女子求婚。
与梵高相处，对于弟弟提奥来说，实在不算是什么愉快的事。
这对贫贱兄弟常常为了钱较劲。
管钱的弟弟总觉得哥哥梵高挥霍无度，而梵高呢又总想作为一家之主，凌驾于他弟弟之上，在鸡毛蒜皮的小事上挑起争吵。用提奥自己的话讲，那个独裁者哥哥“自私”、“无情无义”、“好刁难人”，他得出结论说：“你没办法跟他讲理。”
梵高与弟弟提奥的坟墓
如此相比，既有知识、又有教养的荷兰姑娘乔·邦格实在是算得上是一名小天使。
身体既不痛快，患了重病，还要跟梵高争吵几个月。
弟弟提奥只有一种强烈的孤独和绝望感。
他无比渴望回到家乡，与乔·邦格结婚，开启一段新的生活。
以往，对于提奥的情人，极度依赖弟弟的梵高反应就极为激烈，“我希望我俩找同一个妻子。”甚至提议弟弟把情人转移给他。
按照梵高的想法，无论弟弟还是自己，如果想结婚，要么同一个女人嫁给他俩，要么他俩都各自结婚。
但这一次，面对心意已决的弟弟，梵高无能为力了。
他陷入到一种极度的痛苦中。
他认为自己是一个即便亲弟弟也要忽视的艺术家。是一朵“任人踩踏、冻死或烧焦”的鲜花。
随着弟弟出发的日子越发临近。
梵高就像一个溺水的人，也试图随手抓住身边的某个女人，找来些许慰籍。
柯罗，《安戈斯蒂娜》，1866年，布上油彩
他想起一位叫安戈斯蒂娜·塞加托丽的意大利妓女。
当年在巴黎，塞加托丽曾给了他一些微不足道的帮助，让他在自己合伙开的铃鼓咖啡馆墙上展出一些作品。
并且，梵高也曾为盛装打扮的她画了一张肖像画。
他俩的关系表面看亲热的很——但梵高误会了一个女生意人的笑脸。
整整一个夏天，他不断的画各种表达心意的花来送给她示爱。
哪怕这个女人明确的表示出了拒绝，梵高依旧对这段单相思表示乐观。“她并没有践踏我的心。”在给弟弟的一封信里他说。
哪怕这个女人已经45岁，年老色衰，与一群恶棍合伙开一个咖啡馆谋生。
是，梵高也不在乎。
他狂热的背后是失去提奥的无比绝望。
这样的偏执，让他听到塞加托丽与其他男人约会的消息时也没有丝毫改变。梵高认定了这些只是风言风语。“我对她足够了解，也足以信任她。”他在信里坚持己见。
梵高临摹的浮世绘
哪怕到了塞加托丽忍无可忍，对梵高说“滚开！”时。
梵高还是觉得，这个45岁的姑娘还是善良的，只是不想让梵高受到她身边那些流氓们的伤害而已。“要是她站在我这边，别人一定会对她不利。”
可谓是当局者迷，更何况是梵高这种情感极度丰富、内心又极度敏感的人。
结果，当然是又一次无情的失败，而且是以非常羞辱的方式告终。
传闻这个意大利女人与咖啡馆合伙人也有一腿，因此，面对梵高的一再纠缠，咖啡馆老板的走狗试图把他直接丢出咖啡馆，双方不可避免的大打出手，梵高脸上挨了一个酒瓶子、破了个大口子、头还被他自己在那寄售的一幅油画砸了一下。
脸上淌着血、心里流着泪，失落透顶的梵高离开了咖啡馆。
他眼睁睁地看着他在咖啡馆寄售的油画被当做垃圾，——“可笑地堆在一起”。
除了在债主的橱窗里，这些画是他的第一个“展览”。
这被同时代的艺术家取笑为“一个笑话的胜利。”
《阿尔勒的红葡萄园》1888年
失恋、或者说，单恋的人面对突然破灭的希望，原先设想的一切幸福生活，转瞬间就成了泡影，一个世界崩塌的痛楚随时随地，阴魂缠身。
但就算再难的日子，表盘上的指针依旧滴答作响，太阳照常升起。
梵高，满怀着痛楚、心如死灰，被迫开始一段新的生活。
人总是希望生活会通过点点滴滴变得美好。
他更加恐惧失去弟弟。
“假如我没有了提奥，”他写道，“那我就不可能通过我的工作来实现我应该实现的东西。”
但他也总算面对，自己无法阻挡提奥有二人世界这件事了。
《落日下的播种者》1888年
梵高开始觉得，既然自己做不到，那他也可以在弟弟的二人生活里占据一个角落。
就算弟弟结婚了，但他依旧梵高的经纪人，而自己如果再努努力，两兄弟挣点钱，可以在乡下买一栋小别墅，过起来好日子。
那么，梵高就可以用自己的画来装饰未来的美好生活——“看起来很富裕”、“享受人生”。
《被切掉的向日葵》1887年 梵高最早的向日葵系列
《被切掉的向日葵》1887年 梵高最早的向日葵系列
《被切掉的向日葵》1887年 梵高最早的向日葵系列
因此，向日葵的第一次出现，是带着梵高那悲伤而痛苦的感情。
那个灾难一样的夏天，就这样凝结成了最初的三张向日葵。
然而，弟弟提奥也是一个极度感性的男人。
实际上，那个叫乔的女子只跟提奥见过三次面，所有一切都是提奥自己的一厢情愿。
“下午两点，门铃响了：提奥·梵高从巴黎来到。我对他的到来感到高兴，我以为可以跟他谈谈文学和艺术，因此热情地欢迎他——谁知他突然开始宣布他爱我。如果这发生在小说里，也是不可信的——而这居然发生在现实里。只邂逅过三次，他就想要终生与我一起生活，还想要让他的幸福指望于我。多么令人不解啊……当我想到他时，我的心都感到麻木！”
—乔的日记
失魂落魄的两兄弟又住到了一起。
并在1887年举办了我们一开始说到那场失败的展览。
1888年2月，梵高突然离开巴黎。
真正的原因一直是个秘密。
黄房子旧照
黄房子的烟火
最终，在1888年4月底，梵高奔赴普罗旺斯阿尔勒，他发现了一幢废弃的屋子，“门关着，可能长期无人居住了。”这幢屋子被漆成了黄色，文森特租下的四个房间。
50年之后的二战，盟军的炸弹把它从世界上抹去。
然而，当一个远房亲戚为梵高兄弟留下些许遗产时，命运终究还是对梵高露出了最后一点微笑。
弟弟提奥借此向拍卖会上认识的高更提供资助，提供了相当优惠的条件：每月150法郎生活费，交换一年12幅画。还替高更偿清债务，付给他旅费前往梵高的黄房子。
梵高对高更的到来欣喜如狂，知己难求，梵高的知己更加难得。
“既然我希望与高更一起在自己的画室工作，”他满怀渴望地写道，“我就想好好地把它装饰一下。什么都不用，就用巨大的向日葵。“为了这位少有的、尊重他作品的画家。
同时，这些向日葵也是当时梵高院子里，唯一还在盛开的花卉。
梵高迎来了短暂人生里的艺术最高峰，那些著名的作品像《向日葵》、《星月夜》都是完成于这一时期。
颜料与画布猛然冲突，色彩与笔触满怀情绪的倾泻，一幅幅向日葵接连完成。
从1888年8月到1889年2月，短短半年时间，梵高在黄房子里画了多幅向日葵，因此，它们也被称为“阿尔勒的向日葵”。
就像那些每天早晨向太阳致敬的花朵一样，梵高始终认为自己的向日葵将会恭候新朋友的到来，并装点一段美妙的生活。他写信给弟弟说道“你或高更将入住的房间，将拥有雪白的墙壁，以精彩的黄色向日葵作为装饰。”
当然，这其中也包含着艺术家之间的互相较劲。
“从某种程度上说向日葵是我自己独有的，”他赞同说，“长时间凝视它，会发现它具有更丰富的内涵。”
这些日葵根据画面上花朵的数量，先后被命名为：“三朵向日葵”、 “六朵向日葵”、“十四朵向日葵”和“十五朵向日葵”。
其中最著名的是最后完成的15朵向日葵，在这幅画里，各种黄色被梵高融为一个画面中，艺术家面对生命的重压，依旧流露出对美好生活的渴望和对生命的热爱，令人感到无比的震撼。
这是绚烂的梵高之花。
这也是梵高的命，就像他自己说的“我的心是属于向日葵的”。
从此，向日葵成了梵高的另一种重化身。
《十五朵向日葵》
梵高《高更的椅子》1888年
过往他那无比痛苦的生活，真挚而奔腾的情感，最终与夸张的天价、博物馆的橱窗相伴。
纵观梵高一辈子短短的37年。
这一生中，对他来说重要的也就三件事：传教、画画、卖画。
然而，命运女神似乎也对他开了个玩笑：把所有事最困难的一面都毫无保留的给了他。
以传教来说，最为投入、最为虔诚的深入矿井，梵高在井下为矿工们包扎伤口、提供精神慰藉，却被前来考核的上级牧师，认定为没有神职人员的庄重仪态，惨然遭到解雇。
而卖画就更不用提了，两兄弟推销了一辈子，仅仅是勉强卖出去了一张画。
这三件事，可以说无论哪一件，他都在满怀着最大的热情去努力、去拼搏，结果却都在生前不尽人意。
梵高《鸢尾花》1889年
在梵高自杀后半年，他弟弟提奥精神崩溃，同样死于严重的精神病发作。
提奥死后与梵高葬在一起，两个好兄弟永远在一起了。
后人想象中的梵高
2、鸢尾花作者梵高
鸢尾花作者梵高
《鸢尾花》 鉴赏
这是一幅很美的作品，梵高似乎也如同喜欢向日葵一样喜欢画这种植物，画面中灿烂的蓝紫色鸢尾花十分突出，它的花形恰似一群翩翩起舞的蝴蝶；
作者巧妙地将它那郁郁葱葱的粉绿色叶子作了低调的处理与远处的花草一同衬托出了鸢尾花的生动与灵性；
再有地上红赤泥土的陪衬打破了画面冷色的调子，使得色彩对比强烈且和谐，并富有律动，色调也极其明亮，这正好体现出他“明亮一些，再明亮一些！”的口号，整幅画面富有活力，洋溢着清新的气息。
鸢尾花本是一种很平凡的植物，但梵高赋予它精彩的形象与色彩以及永恒的生命力，这是一生浸在痛苦与无奈中度过的画家对大自然的赞美，是对美好生活的向往。
他画的鸢尾花是那么的可爱，甚至有人认为它们比真正的花还美，还真实。
鸢尾花的活动区域被放在自右上向下渐倾斜的大片领域内。花朵没有一个整齐的生长方向，每朵花有着自己姿态——却都是一种近似于挣扎的姿态，看起来像是想挣脱某种无形的束缚。
这些向四面八方挣动的花朵，在并不明丽的青绿色花叶衬托下，占据了画面的绝大部分。
《鸢尾花》中最为引人注目的，应该是位于画面左侧，那一大朵白色的鸢尾花。不是被众星拱月地包围在其中，而是选择了像个局外人一样，孤单地悄然独开。
它离盛开的画面中重要表现的那片蓝紫色鸢尾花，和后面作映衬的万寿菊都有一段距离——孤寂又带有那么一点刻意的避世，这是明显的高更式构图风格，格外醒目。
有的赏评上这样写：“这样耀目的白色花朵，在其它颜色的映衬下，显得格外生动和俏皮，更为整幅画增添了一丝生机。”
《鸢尾花》，画面上的花依稀是模样怪异状，但细细品味中，鼻间处飘过那浓烈的气味，淡淡地、阵阵地、传说中的“味”，好似刻在你的画盘上、你的心上，继而翩跹飞舞着。宛如人们心灵，不语的期盼和那蓝紫色的浅浅的回忆。也极像人们将要绽放的青春一样，飞扬与燃烧在火红的岁月，尽管也要殆尽。
但那美丽、那光芒、那生机，就在你注视瞬间的鲜活中像火山样喷薄。是炫耀与欢乐，是宣泄与任性，那样的记忆，那样的刻骨铭心。也许人们在历史的回放片段中，在生物进化链上，似乎早已遗忘了过去那寂寞的衣角、阴郁的阁楼、深邃的世界。
而只用赞叹的目光，感受梵高，感受他寂寞、孤独与死亡。
只凭这一纸画作的定格，抛弃梵高蓝紫色的忧郁和灰褐色的悲伤，也抛弃了人们对自己心痛的灵魂与愧疚，一次又一次，一天又一天，永永远远。
在梵高那些要么笔法升腾，要么布局简洁的花卉作品中显得格外突出，纵然知名度不是最高，画面整体感却相当出众的《鸢尾花》，有着幽闭的构图，厚重的色彩，灵活饱满的笔触，和细致敏感的绘画视角。
丰硕的蓝紫色花瓣，大面积绿色的尖头长叶向上欲冲，星星点点的黄色花蕊，加上在一旁做衬托的与之一同繁茂生长的万寿菊，还有花丛下砖红色的土壤——形态各异又浑然一体。
细心的人，在观赏梵高的作品时会注意到那种“前缩法”构图方式，就是将主要描绘对象突出但控制在一定区域，进而在背景上大作文章，使画面看起来更具纵深感和空间感。
并且，圣雷米时期是梵高在着色上的要求最绝对的时期。所谓绝对是指绝对的鲜艳和明快，如要表现红色，那绝对是色感最强烈的红色，要表现绿色，那就是最青翠和浓郁的绿色。
鸢尾花作者梵高
《鸢尾花》作者梵高简介
梵高是荷兰画家，1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔，因患精神病而自杀身亡。他早年经商，后来热衷于宗教。
梵高的作品多采用点彩画法，画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地反悔内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。
梵高的作品中包含着深刻的.悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。他的代表作《向日葵》《咖啡馆夜市》等等。
今天分析这些作品，很容易觉察到画所包含的那深刻悲剧潜意识，还有梵高那强烈的个性主义和形式上很独特的个人追求。梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。
在梵高的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。梵高视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。
鸢尾花作者梵高
《鸢尾花》中的意境
在这幅作品中，鸢尾花的摆放区域被自右上向下渐倾斜地画就。鸢尾的花朵没有一个整齐的生长方向，每朵花有着属于自己姿态——但都是一种近似于挣扎的姿态，看起来像是想挣脱某种无形的束缚。
这些向四面八方挣动的花朵，在并不明丽的青绿色花叶衬托下，占据了画面的绝大部分。
这幅画作中就连那花叶也绿中偏蓝，缘情随性的。忧愁的蓝色是属于他，伴随着梵高的生命色彩而来。构图上，鸢尾花的整体造型“内倾”，与左上角的一簇野菊呼应。野菊的赭红，与土壤色系相谐。赭红与蓝——一种躁动的情绪总在画面中浮现。
然而这幅画作并非表现上看上去的那些轻盈，画面中的鸢尾总有一些怪异，需要细细品味才能发掘。难以言喻的期盼就隐藏在那蓝紫色的色调中，这里似乎也埋藏着属于梵高的回忆。
飞扬与燃烧在火红的岁月在赭红的野菊中得到体现，也极像人们将要绽放的青春一样，但是青春也终要消失殆尽。可是属于青春的那份美丽，那份光芒，那份生机，就在你注视瞬间的生活中，像火山一样喷薄是炫耀与欢乐。
在鸢尾的后面是赭红的野菊，它们代表着那些远去的青春年华。
人们很可能在历史的回放片段中，在生物进化链上似乎早已遗忘了过去那寂寞的一角，阴郁的阁楼，深邃的世界，而只用赞叹的目光感受梵高，但是再次看到这幅《鸢尾花》之际，就能感受他的孤寂与死亡，感受到梵高那蓝紫色的忧郁和灰褐色的悲伤。
当梵高在画这幅《鸢尾花》的时候，他这些花是梵高在1889年到1890年期间是住在圣雷米医院时期画的。
在这个期间，因为身体原因，梵高需要时常去医院报道，病痛的折磨也摧残着这位艺术家的生命力，因此当梵高见到鸢尾的时候，就决定赋予它们精彩的形象与色彩以及那永恒的生命力，这也是梵高此生奢求的东西。
1890年也是这位艺术家自杀前的一年，在这一年中，梵高经受了太多的折磨，因为没有人理解梵高的寂寞。
因此他每天只能在大地上痴迷的画着自己的命运，只有鸢尾花在这个春天给他带来一些安慰，他将自己内心悲悯的情感全部宣泄在这幅鸢尾花中，使这幅鸢尾花的茎叶充满了一种永恒的坚实感。
因为鸢尾是梵高最后的一份温柔了，因此梵高也将鸢尾看作是他的“精神病的避雷针”，在梵高的眼中，这是唯一一种能够保持他自己继续的疯狂的作画的“缪斯”。
身体的苦痛折磨着梵高，精神的压抑摧残着梵高，只有那一朵朵盛放的鸢尾，才是梵高人生最后的精神乐土。所以在他的笔下，鸢尾虽然是鲜亮与热烈的，但是却无法逃脱悲伤与忧郁！
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